Hay canciones que por una razones u otras tienes apegadas a un recuerdo en patricular. La primera vez que la escuché fue en una clase de Ética del instituto durante el visionado de la excelente película de Cameron Crowe "Jerry McGuire". El personaje de Tom Cruise iba viajando en su coche buscando como un loco una canción en la radio que pudiera cantar a voz en grito, que le permitiera liberar su tensión. Después de varios intentos el dial conseguía sintonizar un estribillo que decía:
Puedo ver mentalmente a Tom Cruise golpeando el volante del coche cantando como un loco. Me encantó el tema, pero no sabía de quién era y en 1997 no tenía el acceso a internet que tenemos hoy. La película se acabó convirtiendo en uno de mis clásicos. Su banda sonora está repleta de canciones buenísimas (como todas las películas de Cameron Crowe, que de por sí se merece un post para él solo) y cada vez que la veía decía "joder quiero ese disco".
Con el tiempo acabé sabiendo que esa canción era de Tom Petty, un músico que en Estados Unidos es poco menos que un dios. Íntimo amigo del fallecido George Harrison, que llegó a formar una banda con el propio George, junto a Bod Dylan y Roy Orbison entre otros, The Traveling Wylburys y que aquí en España no es más que una rareza para entendidos. De verdad, no puedo entender que tengamos tan poca cultura musical.
Volviendo a la canción, está incluida en el álbum de 1989 "Full Moon Fever", y escrita por el propio Petty y Jeff Lyne. Está repleta de claras referencias a la ciudad de Los Ángeles. Fue compuesta y grabada en poco más de dos días. Con una estructura supersencilla, pero con arreglos muy precisos introduciendose poco a poco en la partitura que consiguen que ese par de acordes acabe sonando de una forma tan redonda.
Es una de las canciones más versionadas de Tom Petty siendo en España más conocida por la versión de John Mayer que por su grabación original.
También querría destacar la actuación junto a Axl Rose en la MTV Video Music Awards de 1989 junto a Axl Rose.
La suerte que tiene ser un aficionado de la música en directo es que a veces, mientras esperas ansioso el concierto del grupo que de verdad querías ver, descubres una banda que te puede llegar a gustar tanto como el cabeza de cartel.
Diez de septiembre de 2004. Para un fan de Guns N' Roses como yo que por edad no había tenido la suerte de vivirlos en directo, poder asistir a un concierto de Velvet Revolver con Slash, Duff McKagan y Matt Sorum, era poco menos que tocar el cielo con las manos.
Había comprado la entrada un par de meses antes en el ya extinto y mítico Madrid Rock (ahora creo que hay un Bershka, dónde va a parar). Por toda la tienda de discos había colgados carteles que anunciaban que el mismo día del concierto a las 17:00 estarían firmando CD's Slash, Duff y Matt. Finalmente Matt Sorum no acudió, supongo que por evitar eclipsar la imagen de Velvet Revolver con la presencia única de los tres ex-Guns N' Roses, y en su lugar se presentó Dave Kushner. Estábamos tan excitados porque Slash nos pudiera firmar un CD que mi colega Isaac y yo nos pusimos a hacer cola a las 14:00 con sólo unas diez por personas delante nuestra y un par de seguratas controlando la fila para evitar disturbios. Acabamos consiguiendo las firmas y nos fuimos directamente a La Riviera para disfrutar del concierto lo más cerca que pudiésemos.
Estoy convencido que para aquel concierto se vendieron más entradas del aforo legalmente permitido. Quedaba más de una hora para que empezara Velvet Revolver y literalmente no cabía un alfiler. Era imposible moverse, estábamos imbuidos dentro de una marea humana, y la palabra marea es muy explícita puesto que la sensación era la misma que cuando estás dentro del mar zarandeándote por oleadas que no puedes controlar. El calor era asfixiante. Faltaba el aire. Pero íbamos a ver a Slash, valía la pena.
De repente se apagaron las luces, y como si no estuvieramos a más de treinta grados de temperatura salieron al escenario cuatro tíos ataviados con abrigos hasta los pies y con una energía que puso a toda la sala a botar. Esos cuatro locos eran Nick Borg, Dregen, Johan Blomqvist y Peder Carlsson, los Backyard Babies.
Nunca antes había oído hablar de ellos, pero tenían un sonido bestial y sabían transmitirlo. No tardaron en quitarse los abrigos para dejar a la vista sus torsos y brazos repletos de tatuajes. Estaban presentando "Stockholm Syndrome" su disco más laureado hasta la fecha. Cumplieron con creces su papel y calentaron el ambiente hasta la salida de Velvet Revolver. Al día siguiente ya tenía "Stockholm Syndrome" en mis manos.
Ocho años después Backyard Babies es uno de mis grupos de referencia. Es rara la semana que no me ponga alguno de sus CD's. Puedo decir que he escuchado más su discografía que los dos únicos discos de Velvet Revolver. Volví a verlos en Joy Eslava en 2010, esta vez en primera fila, frente a Johan, el bajista, y volvieron a estar muchísmimo más que a la altura. Gracias a ellos el Punk llegó a mi vida.
Supongo que a todos los amantes de la guitarra nos ha pasado lo mismo alguna vez. Empieza una canción que no habías escuchado antes y de repente, antes si quiera de empezar a cantar, escuchas las primeras notas de una guitarra que ya conoces y no necesitas más, vienen firmadas, sabes quién es el guitarrista que las está tocando. Creo que llegar a ese punto significa los máximo como guitarrista. Encontrar tu sonido, dejar tu esencia en la pulsación de una cuerda. Va mucho más allá de la técnica, de lo rápido que puedas tocar o la buena digitación que tengas.
Como guitarrista (en mi opinión nos pasa a todos cuando empezamos a tocar) al principio me veía seducido por virtuosos del estilo de Satriani, Vai o Malsteem. Era bestial escuchar a aquellas verdaderas máquinas capaces de ejecutar los dibujos más complicados de cualquier partitura. Pero con el tiempo, fue precisamente la falta de alma de su mecánica la que me hizo perder el interés por su música. Me llegaba más una sola nota mantenida durante segundo en Lucille (la vieja guitarra de B.B. King) que los dos millones de fusas y semifusas que cualquier virtuoso pudieses introducir en medio segundo.
Paso a paso fui descubriendo otra clase de guitarristas que imprimían más alma que técnica en su sonido, y es en ese momento en el que el músico funde su alma con su instrumento cuando nace el sonido. Por eso cuando escuchas tocar a Slash sabes que es él y no es otro; cuando notas la caricia de los dedos Mark Knopfler haciendo vibrar las cuerdas no te cabe la menor duda de quien es; cuando escuchas un riff de Angus Young o Keith Richards, un solo de Clapton, el wha wha de Hendrix... Hay tantos y tan buenos.
La música es otra lengua, otro idioma, y como tal no transmite mejor el que mejor habla, sino el que pone la pasión de su alma en su discurso.
El próximo 3 noviembre se cumple el vigésimo aniversario del disco que significó un punto de inflexión la carrera la banda de rock que más admiro: Bon Jovi.
Tras terminar la agotadora gira de promoción del anterior trabajo de la banda "New Jersey", en 1989, la tensión había hecho mella en el ámbito personal, obligando a sus miembros a tomarse un descanso que durante un tiempo y alimentado por los trabajos en solitario de Jon Bon Jovi y Richie Sambora ("Blaze Of Glory" y "Stranger In This Town" respectivamente) había avivado la especulación sobre la definitiva separación de Bon Jovi.
Finalmente y después de tres años de rumores Jon, Richie, David, Tico y Alec (los cinco miembros originales de la banda) volvían a reunirse para grabar el que a la postre se convertiría en uno de los álbumes clásicos de la banda de New Jersey: "Keep The Faith". Producido por Bob Rock, "Keep The Faith" es una explosión de rock al más puro estilo Bon Jovi. Hay quien criticó, y aún critica, un cambio de tendencia de la banda que en realidad no fue tan drástico en lo músical como en lo estético, y que sin embargo se concretó como el cambio que permitió que, a diferencia de otros grupos de éxito en los 80, Bon Jovi pueda continuar hoy, con más de cuarto de siglo de carrera, reventando estadios en cada una de sus giras.
El disco abre con toda una declaración de intenciones como "I Believe". La canción, el quinto single del álbum, habla de hacer lo que sea necesario creyendo en lo que se hace, y tal vez es precisamente lo que hizo Bon Jovi con las canciones que integran el resto del disco.
A "I Believe" le sigue la canción que da título al CD "Keep The Faith" que, aunque en un primer momento recibió críticas durísimas por el cambio de estilo (sigo achacándolo más al cambio de imagen, sobretodo de Jon que al estilo en sí de la canción) se ha acabado convirtiéndo en imprescindible en directo. Es una canción que habla de la redención, en la que se admiten los errores cometidos y se pide otra oportunidad manteniendo la fé. La primera vez que les ví en directo con a penas 13 años en el Vicente Calderón fue la canción que más me llenó la atención. Tiene una fuerza y un ritmo que te trasmite desde el inconfundible dibujo del bajo hasta la increible actuación vocal de Jon.
El disco continúa con otros cinco temas que también acabaron saltando a las listas de éxitos como sencillos de la banda: "I'll Sleep When I'm Dead" con un video divertidísimo que basa muchas de sus escenas en el la película "Hard Day's Night" de The Beatles, y que en directo utilizan para enlazar con una versión diferente en cada concierto.
"In This Arms", una increíble declaración de amor que tampoco se pierde un directo y la mítica balada "Bed Of Roses". Ambas canciones con una fuerte presencia de piano, que es el aspecto musical dónde se puede observar un mayor cambio respecto al sonido más sintetizado de los teclados de la banda durante la decada de los 80. El videoclip de "Bed Of Roses" tiene una anécdota digna de mencionar: para las escenas de los solos de guitarra subieron a Richie Sambora a la cima de una montaña a la que sólo podían acceder en helicóptero, para cuando llegó el momento de recogerlo las rachas de viento eran tan fuertes que el helicóptero no podía aterrizar, y la previsión meteorológica preveía temperaturas muy por debajo de cero para la noche, finalmente tuvieron que ingeniárselas para recoger a Richie en pleno vuelo.
"If I Was Your Mother" es la canción de corte más duro de todo el disco y una de mis preferidas por el bestial sonido del riff, y por último en esta primera parte de singles, cabe destacar "Dry County" una canción de casi 7 minutos de duración, que habla del extenuante camino con el que se encuentran los emigrantes al entrar en Estados Unidos desde México, la falta de trabajo, de ayuda... Tiene un increíble solo de Richie en una de sus grabaciones más interesantes. Hay versiones en directo que llegan a extenderse hasta los 11 y 12 minutos.
En la versión standard del CD aparecen otras seis canciones que no llegaron a publicarse como sencillos "Woman I Love", "Fear", "I Want You", "Blame In On The Love Of Rock & Roll", "Little Bit Of Soul" y "Save A Prayer", pero que completan el álbum como uno de los más completos de la banda.
Por muchas crícticas que pudiera y pueda seguir teniendo, lo que es un hecho es que "Keep The Faith" consiguió que Bon Jovi renaciera con más fuerza, y si es cierto que nunca han vuelto a disfrutar del éxito comercial de "Slyppery When Wet" y "New Jersey", "Keep The Faith" ha vendido la friolera de más de 10 millones de copias a día de hoy, consiguió nuevos adeptos para la causa y significó una evolución que de no haber existido habría acabado con ellos.
